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El top 50 de Sight & Sound 2012

THE TOP 50

1. Vertigo

Vertigo

Alfred Hitchcock, 1958 (191 votes)

Hitchcock’s supreme and most mysterious piece (as cinema and as an emblem of the art). Paranoia and obsession have never looked better—Marco Müller

After half a century of monopolising the top spot, Citizen Kane was beginning to look smugly inviolable. Call it Schadenfreude, but let’s rejoice that this now conventional and ritualised symbol of ‘the greatest’ has finally been taken down a peg. The accession of Vertigo is hardly in the nature of a coup d’état. Tying for 11th place in 1972, Hitchcock’s masterpiece steadily inched up the poll over the next three decades, and by 2002 was clearly the heir apparent. Still, even ardent Wellesians should feel gratified at the modest revolution – if only for the proof that film canons (and the versions of history they legitimate) are not completely fossilised.

There may be no larger significance in the bare fact that a couple of films made in California 17 years apart have traded numerical rankings on a whimsically impressionistic list. Yet the human urge to interpret chance phenomena will not be denied, and Vertigo is a crafty, duplicitous machine for spinning meaning…—Peter Matthews’ opening to his new essay on Vertigo in our September issue

2. Citizen Kane

Citizen Kane

Orson Welles, 1941 (157 votes)

Kane and Vertigo don’t top the chart by divine right. But those two films are just still the best at doing what great cinema ought to do: extending the everyday into the visionary—Nigel Andrews

In the last decade I’ve watched this first feature many times, and each time, it reveals new treasures. Clearly, no single film is the greatest ever made. But if there were one, for me Kane would now be the strongest contender, bar none—Geoff Andrew

All celluloid life is present in Citizen Kane; seeing it for the first or umpteenth time remains a revelation—Trevor Johnston

3. Tokyo Story

Tokyo Story

Ozu Yasujiro, 1953 (107 votes)

Ozu used to liken himself to a “tofu-maker”, in reference to the way his films – at least the post-war ones – were all variations on a small number of themes. So why is it Tokyo Story that is acclaimed by most as his masterpiece? DVD releases have made available such prewar films as I Was Born, But…, and yet the Ozu vote has not been split, and Tokyo Story has actually climbed two places since 2002. It may simply be that in Tokyo Story this most Japanese tofu-maker refined his art to the point of perfection, and crafted a truly universal film about family, time and loss—James Bell

4. La Règle du jeu

La Règle du jeu

Jean Renoir, 1939 (100 votes)

Only Renoir has managed to express on film the most elevated notion of naturalism, examining this world from a perspective that is dark, cruel but objective, before going on to achieve the serenity of the work of his old age. With him, one has no qualms about using superlatives: La Règle du jeu is quite simply the greatest French film by the greatest of French directors—Olivier Père

5. Sunrise: A Song of Two Humans

 A Song of Two Humans

FW Murnau, 1927 (93 votes)

When F.W. Murnau left Germany for America in 1926, did cinema foresee what was coming? Did it sense that change was around the corner – that now was the time to fill up on fantasy, delirium and spectacle before talking actors wrenched the artform closer to reality? Many things make this film more than just a morality tale about temptation and lust, a fable about a young husband so crazy with desire for a city girl that he contemplates drowning his wife, an elemental but sweet story of a husband and wife rediscovering their love for each other. Sunrise was an example – perhaps never again repeated on the same scale – of unfettered imagination and the clout of the studio system working together rather than at cross purposes—Isabel Stevens

6. 2001: A Space Odyssey

 A Space Odyssey

Stanley Kubrick, 1968 (90 votes)

2001: A Space Odyssey is a stand-along monument, a great visionary leap, unsurpassed in its vision of man and the universe. It was a statement that came at a time which now looks something like the peak of humanity’s technological optimism—Roger Ebert

7. The Searchers

The Searchers

John Ford, 1956 (78 votes)

Do the fluctuations in popularity of John Ford’s intimate revenge epic – no appearance in either critics’ or directors’ top tens in 2002, but fifth in the 1992 critics’ poll – reflect the shifts in popularity of the western? It could be a case of this being a western for people who don’t much care for them, but I suspect it’s more to do with John Ford’s stock having risen higher than ever this past decade and the citing of his influence in the unlikeliest of places in recent cinema—Kieron Corless

8. Man with a Movie Camera

Man with a Movie Camera

Dziga Vertov, 1939 (68 votes)

Is Dziga Vertov’s cine-city symphony a film whose time has finally come? Ranked only no. 27 in our last critics’ poll, it now displaces Eisenstein’s erstwhile perennial Battleship Potemkin as the Constructivist Soviet silent of choice. Like Eisenstein’s warhorse, it’s an agit-experiment that sees montage as the means to a revolutionary consciousness; but rather than proceeding through fable and illusion, it’s explicitly engaged both with recording the modern urban everyday (which makes it the top documentary in our poll) and with its representation back to its participant-subjects (thus the top meta-movie)—Nick Bradshaw

9. The Passion of Joan of Arc

The Passion of Joan of Arc

Carl Dreyer, 1927 (65 votes)

Joan was and remains an unassailable giant of early cinema, a transcendental film comprising tears, fire and madness that relies on extreme close-ups of the human face. Over the years it has often been a difficult film to see, but even during its lost years Joan has remained embedded in the critical consciousness, thanks to the strength of its early reception, the striking stills that appeared in film books, its presence in Godard’s Vivre sa vie and recently a series of unforgettable live screenings. In 2010 it was designated the most influential film of all time in the Toronto International Film Festival’s ‘Essential 100’ list, where Jonathan Rosenbaum described it as “the pinnacle of silent cinema – and perhaps of the cinema itself”—Jane Giles

10. 

8½

Federico Fellini, 1963 (64 votes)

Arguably the film that most accurately captures the agonies of creativity and the circus that surrounds filmmaking, equal parts narcissistic, self-deprecating, bitter, nostalgic, warm, critical and funny. Dreams, nightmares, reality and memories coexist within the same time-frame; the viewer sees Guido’s world not as it is, but more ‘realistically’ as he experiences it, inserting the film in a lineage that stretches from the Surrealists to David Lynch
Mar Diestro Dópido

11. Battleship Potemkin

Sergei Eisenstein, 1925 (63 votes)

12. L’Atalante

Jean Vigo, 1934 (58 votes)

13. Breathless

Jean-Luc Godard, 1960 (57 votes)

14. Apocalypse Now

Francis Ford Coppola, 1979 (53 votes)

15. Late Spring

Ozu Yasujiro, 1949 (50 votes)

16. Au hasard Balthazar

Robert Bresson, 1966 (49 votes)

17= Seven Samurai

Kurosawa Akira, 1954 (48 votes)

17= Persona

Ingmar Bergman, 1966 (48 votes)

19. Mirror

Andrei Tarkovsky, 1974 (47 votes)

20. Singin’ in the Rain

Stanley Donen & Gene Kelly, 1951 (46 votes)

21= L’avventura

Michelangelo Antonioni, 1960 (43 votes)

21= Le Mépris

Jean-Luc Godard, 1963 (43 votes)

21= The Godfather

Francis Ford Coppola, 1972 (43 votes)

24= Ordet

Carl Dreyer, 1955 (42 votes)

24= In the Mood for Love

Wong Kar-Wai, 2000 (42 votes)

26= Rashomon

Kurosawa Akira, 1950 (41 votes)

26= Andrei Rublev

Andrei Tarkovsky, 1966 (41 votes)

28. Mulholland Dr.

David Lynch, 2001 (40 votes)

29= Stalker

Andrei Tarkovsky, 1979 (39 votes)

29= Shoah

Claude Lanzmann, 1985 (39 votes)

31= The Godfather Part II

Francis Ford Coppola, 1974 (38 votes)

31= Taxi Driver

Martin Scorsese, 1976 (38 votes)

33. Bicycle Thieves

Vittoria De Sica, 1948 (37 votes)

34. The General

Buster Keaton & Clyde Bruckman, 1926 (35 votes)

35= Metropolis

Fritz Lang, 1927 (34 votes)

35= Psycho

Alfred Hitchcock, 1960 (34 votes)

35= Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce 1080 Bruxelles

Chantal Akerman, 1975 (34 votes)

35= Sátántangó

Béla Tarr, 1994 (34 votes)

39= The 400 Blows

François Truffaut, 1959 (33 votes)

39= La dolce vita

Federico Fellini, 1960 (33 votes)

41. Journey to Italy

Roberto Rossellini, 1954 (32 votes)

42= Pather Panchali

Satyajit Ray, 1955 (31 votes)

42= Some Like It Hot

Billy Wilder, 1959 (31 votes)

42= Gertrud

Carl Dreyer, 1964 (31 votes)

42= Pierrot le fou

Jean-Luc Godard, 1965 (31 votes)

42= Play Time

Jacques Tati, 1967 (31 votes)

42= Close-Up

Abbas Kiarostami, 1990 (31 votes)

48= The Battle of Algiers

Gillo Pontecorvo, 1966 (30 votes)

48= Histoire(s) du cinéma

Jean-Luc Godard, 1998 (30 votes)

50= City Lights

Charlie Chaplin, 1931 (29 votes)

50= Ugetsu monogatari

Mizoguchi Kenji, 1953 (29 votes)

50= La Jetée

Chris Marker, 1962 (29 votes)

Publicado hace 1 año

Jean-Louis Trintignant en The Conformist (El conformista) (1970, dir. Bernardo Bertolucci)

“Marcello es realmente un personaje muy complejo, buscando conformar a causa de su violento anti-conformismo. Un conformista verdadero es alguien que no tiene ningún deseo de cambiar, desear conformar es decir que la verdad es lo contrario.”

-Bernardo Bertolucci

2 notas 

Publicado hace 2 años

Planet of the Apes (El planeta de los simios) (1968, dir. Franklin J. Schaffner) (via)

24 notas 

Publicado hace 2 años

diseño de los titulos de Saul Bass para Spartacus (1960, dir. Stanley Kubrick)
"Lo que hemos realizado en los títulos de Espartaco fueron múltiples capas de caras elegantes y desdeñosas, que expresan la dualidad de la dominación romana, la opresión y la brutalidad, así como la sofisticación que hizo posible muchas contribuciones a la civilización occidental. Me parece muy rico ver el crecimiento de esos perfiles formando una cara completa, y las caras completas se disuelven en perfiles antes de que la cara final comienze a agrietarse y la cámara hace un zoom al ojo vacío, lo que indica que no todo está bien ".
-Saul Bass

219 notas 

Publicado hace 2 años

The Birds (Los Pajaros) (1963, Alfred Hitchcock) Secuencia de créditos

5 notas 

Publicado hace 2 años

Lillian Gish como “La Madre Eterna” y El destino en Intolerancia (1916, dir. DW Griffith) (del catalogo de exposición del Museum of Modern Art Film & Media Collection)

La mano en la cuna de la humanidad, en eterno balanceo.

"A menudo le [a D.W. Griffith] decir que él preferiría haber escrito una página de ‘Leaves of Grass’ antes que haber hecho todas las películas por las que recibió el aplauso del mundo.

Se dice que unos doce o quince años antes [de filmar Intolerancia], Griffith estaba caminando con Wilfred Lucas, cuando ambos trabajan en un road show, cuando Lucas vio a una mujer meciendo una cuna, y le recordó a Griffith el poema de Walt Whitman de Hojas de Hierba: ‘de la cuna que se mece sin fin ‘y’ Sin fin mece la cuna / Unificador del Aquí y del Allá”.

… Fuimos al estudio e hizo algunas fotografías de Lillian Gish meciendo una cuna, todo al ritmo de la poesía de Walt Whitman, que Griffith recitó con mucho entusiasmo y sorprendentemente buena entrega, teniendo en cuenta lo mal que era como actor. Debe haber sido uno de sus días buenos.

Griffith colocó las figuras simbólicas de las Tres Parcas detrás de Lillian Gish. Al oír el sonido de la rueca y el crujido de las tijeras de las Parcas mientras cortan el hilo de la vida, Griffith exclamó:” Gahhd! Si tan sólo pudiéramos conseguir ese sonido! “

-un extracto de Karl Brown’s Adventures With D. W. Griffith (1973)

10 notas 

Publicado hace 2 años

¿Es ésta su esposa? ¡Qué hermosa garganta!.
Nosferatu (1922, dir. FW Murnau, protagonizada por Max Schreck) era esencialmente una adaptación velada de Drácula, la novela de Bram Stoker, con los nombres y lugares cambiados en un intento de evadir las restricciones de derechos de autor. Por lo tanto “vampiro” se convirtió en “Nosferatu” y “Conde Drácula” se convirtió en “el conde Orlock” (la viuda de Stoker demandó con éxito a los realizadores por violación de todos modos y trató de que todas las copias de la película sean destruidas)
El grotesco y con aspecto de rata Conde Orlock se distingue de los elegantes y apuestos vampiros que lo siguieron en el cine (por ejemplo, de Bela Lugosi y Christopher Lee). Orlock no tienen encanto, ni seduce, ni, ejem, brilla ante sus víctimas.
A la película, sin embargo, se le atribuye la creación de la idea de que la luz del sol es mortal para los vampiros (en la novela de Bram Stoker, Drácula es capaz de moverse durante el día). Como se muestra en los fotogramas, sólo hay una manera de detener a Orlock - una mujer, de corazón puro, que lo seduce, ofreciendo su sangre y lo mantiene a su lado hasta la mañana siguiente, cuando los primeros rayos del sol naciente lo destruiran.

¿Es ésta su esposa? ¡Qué hermosa garganta!.

Nosferatu (1922, dir. FW Murnau, protagonizada por Max Schreck) era esencialmente una adaptación velada de Drácula, la novela de Bram Stoker, con los nombres y lugares cambiados en un intento de evadir las restricciones de derechos de autor. Por lo tanto “vampiro” se convirtió en “Nosferatu” y “Conde Drácula” se convirtió en “el conde Orlock” (la viuda de Stoker demandó con éxito a los realizadores por violación de todos modos y trató de que todas las copias de la película sean destruidas)

El grotesco y con aspecto de rata Conde Orlock se distingue de los elegantes y apuestos vampiros que lo siguieron en el cine (por ejemplo, de Bela Lugosi y Christopher Lee). Orlock no tienen encanto, ni seduce, ni, ejem, brilla ante sus víctimas.

A la película, sin embargo, se le atribuye la creación de la idea de que la luz del sol es mortal para los vampiros (en la novela de Bram Stoker, Drácula es capaz de moverse durante el día). Como se muestra en los fotogramas, sólo hay una manera de detener a Orlock - una mujer, de corazón puro, que lo seduce, ofreciendo su sangre y lo mantiene a su lado hasta la mañana siguiente, cuando los primeros rayos del sol naciente lo destruiran.

4 notas 

Publicado hace 2 años

Celia Johnson in Brief Encounter (1945, dir. David Lean)
“Me he enamorado. Soy una mujer común y corriente. No pensé que cosas tan violentas le podrían suceder a la gente común.”

Celia Johnson in Brief Encounter (1945, dir. David Lean)

“Me he enamorado. Soy una mujer común y corriente. No pensé que cosas tan violentas le podrían suceder a la gente común.”

1 nota 

Publicado hace 2 años